Seguimos con los centenarios y esta vez toca uno de los nombres más míticos del cine, Marlon Brando, un 3 de abril de 1924 nacía en Omaha, Nebraska (EEUU). Su carrera se inició en el teatro en la década de los 40, siguiendo el método Stanislavski en los 50 empieza su periplo cinematográfico, Elia Kazan contribuyo a su éxito en papeles como los de Un tranvía llamado deseo (1951), ¡Viva Zapata! (1952) o La ley del silencio (1954). Sin embargo, pronto empezó a sentirse incómodo en papeles como el de Napoleón que interpretaba en Desirée (1954) o en la comedia musical algo fallida de Ellos y ellas (1955) dirigida por Joseph Leo Mankiewicz quien le había dado el papel inolvidable de Marco Antonio en Julio César (1953).
La cada vez más dura competencia de la
televisión hacía que los estudios no se dejasen tentar por un cine más de
autor acorde con lo que él deseaba, ello le lleva a fundar una productora, la Pennebaker Productions para
poder desarrollar personajes más acordes con su línea interpretativa, de hecho
la primera que iba a producir trataba sobre el tema de la labor de Naciones
Unidas, pero no hubo manera de abordar el proyecto. Tiempo después cayó en sus manos
la novela The autentic Death of Hendry de Charles Neider, una especie de
revisitación del mito de Billy el Niño y Pat Garrett con el que pensó que podía ofrecer una gran actuación, unos años antes Arthur Penn
había tratado sobre él en un western de autor extraño aquí titulado como El
zurdo (1958) con un Paul Newman totalmente sobreactuado muy acorde con el método. Para este empeño de Brando, el
guion fue escrito por Sam Peckinpah y lo iba a dirigir Stanley Kubrick, de hecho
contó con el guionista Calder Willingham que le escribió Senderos de gloria
(1957) y luego Espartaco (1960).
Pero un comentario de Kubrick donde
expresaba sus dudas y que se oponía a que Brando se inmiscuyera en el argumento
hizo que fuera despedido por el actor y que este asumiera la dirección y fuera reescribiendo la historia a menudo, dejó de
contar también con el guion de Peckinpah que lo reelaboraría luego en Pat
Garret y Billy The Kid (1973) y de la novela inicial apenas quedó nada.
A pesar de que tenía que ser una
película de coste moderado, acabó siendo distribuida por una “major”, la Paramount
y contó con nombres ilustres como el del fotógrafo Charles Lang que tenía una
gran experiencia en westerns también como El hombre de Laramie (1955), Duelo de
titanes (1957) o Los siete magníficos (1960). El nombre de Brando, a pesar de
algunos altibajos señalados antes, tenía un enorme filón y se esperaba una película
que recaudara bastante al tener la novedad de ser su ópera prima.
Pero su inexperiencia como
director acabó triplicando un presupuesto que llegó a los 6 millones de dólares
de la época, llegó a presentar un montaje de 5 horas y hacer perder la
paciencia de los directivos de la Paramount cuando veían que estaba todo
un día para rodar una escena o que exigía de cena un menú compuesto por dos
filetes, patatas, dos tartas de manzana y un litro de leche. La improvisación
que obligaba a los actores le llevó a que la película se conociera como “Stanislavsky
en la silla de montar” y es que, entre otros ejemplos, se hacía insoportable
cuando tenia que esperar que se formaran las nubes que él quería o las olas del
mar más idóneas, a ello y como sostenía que las interpretaciones ebrias eran
malas, exigía emborracharse de verdad para filmarse así.
El rostro impenetrable, título en español de One-eyed Jacques tardó dos años en ser rodada y la respuesta comercial no fue la esperada, la crítica tampoco se puso muy de acuerdo, algún crítico la bautizó en nuestro país como El rostro insoportable, no obstante tuvo sus fans y ganó la Concha de Oro del Festival de San Sebastián. Bastante maltratada posteriormente por las copias que no respetaban su formato y que ofrecían un color deplorable, comenzó a hacérsele justicia con la aparición de un DVD en la década pasada donde se pudo ver ya en su Vistavision original y últimamente Filmin la tiene en su catálogo en alta definición.
En las casi dos horas y media se
nos narra cómo tras el atraco a un banco fronterizo, Johnny Río (Marlon Brando)
es traicionado por Dad (Karl Malden, el cual había trabajado tres veces con él), su mejor amigo y compañero de correrías.
Apresado por la policía mexicana, pasa cinco amargos años en la prisión de
Sonora, durante los cuales, vive obsesionado con la idea de vengarse de él. Tras ser puesto en libertad lo va a visitar, pero este se ha
convertido en un hombre respetable y es el sheriff de Monterrey. Cuando Dad le
presenta a su hijastra Louisa (Pina Pellicer, actriz méxicana que debutaba en Hollywood, pero que acabó suicidándose pronto), se enamora de ella.
A pesar de la reducción de
metraje original, la película peca de larga, el ritmo es más propio del cine oriental, casi podríamos encontrar
similitudes con Akira Kurosawa. Por otra parte, hay una intención de recrearse
en un paisaje marino, algo que en el género apenas se había visto, también ciertas
ramblas que vemos nos hacen pensar en Sergio Leone (que conviene recordar que
comenzó inspirándose en Kurosawa). Pero lo llamativo es el ejercicio narcisista
de Brando que más que buscar una gran interpretación se acaba convirtiendo en
un objeto para ser adorado, tenemos primerísimos planos de todo tipo, no ya
solo su rostro, sino mostrando un culto al cuerpo excesivo (no falta la típica paliza a la que es sometido). Usa unos contrapicados y mueve la cámara de tal manera
que a veces hasta parece un gigante al lado de los demás. Si se fijan hay
escenas curiosas como el calco que hace del Hamlet de Laurence Olivier cuando
lo vemos sentado viendo el mar o cuando en un bar vemos ni más ni menos que un cuadro de La Gioconda y él haciendo una expresión parecida.
La verdad es que el ego de Brando
sobrepasa todos los límites, pero también hay que decir que eso forma parte del
atractivo de la película y si así no fuera estaríamos ante un western pesado y
aburrido, aunque salvado por Karl Malden. Con la copia restaurada al menos
ahora se puede comprobar que el trabajo de Brando también tuvo sus buenas
cosas y es que esos paisajes rodados en plan pictórico o su vestuario con esos paños cromáticos tan meticulosamente buscados dan ahora una peculiaridad
y un afán estilístico que conviene estudiar al analizar la película y entretenerse.
El ritmo de la película que como
ya digo tiene un tono enfermizo, autocomplaciente y exclusionista para con su
protagonista no deja de ser también el del esquema clásico del enfrentamiento entre
dos hombres duros como ese oeste romántico que otros ya lo psicoanalizarían
con más fortuna, nombres como el de Nicholas Ray, Sam Peckinpah o Clint
Eastwood. De todas maneras, si se acepta el juego de la dirección de Brando disfrutaremos
tanto de sus virtudes como de defectos y de ese aire de leyenda a los
personajes con tono de tragedia clásica y edípica, un cóctel de violencia, de
poesía visual y de sensualidad donde no faltan escenas que bien podían haber
sido eliminadas como esas bailaoras de flamenco en México.
En fin, he querido escoger esta
película que como habrán notado no es de mis preferidas, pero sí que representa
muy bien quién era Marlon Brando, un actor único y que forma parte de la
historia en mayúsculas del cine. Repudió la película después que Paramount le recortara la mitad, aseguró que "ahora es una buena película para ellos, pero no es la película que hice". Tras esta, su carrera tendría varios fracasos y armaría otro motín fuera del rodaje de Rebelión a bordo (1962). Su papel en El padrino (1972) y en El último tango en París del mismo año, amén de sus polémicas y escándalos le devolverían la fama inicial.
