Una cara con ángel (Stanley Donen, 1957)

 

De la trinchera de papel al Technicolor: librerías, existencialismo y vanguardia en Una cara con ángel

Hoy, coincidiendo con la celebración del Día de las Librerías, resulta inevitable mirar más allá de nuestras mesas de novedades y recordar cómo el séptimo arte ha convertido estos refugios de papel en los motores más insólitos de sus mejores historias. Hay pocos arranques tan magnéticos en la historia del cine como aquel rincón polvoriento, atestado de volúmenes y tratados filosóficos, situado en el Greenwich Village neoyorquino en Una cara con ángel (Funny Face, 1957). Aquella librería no es un simple decorado de atrezo; es la trinchera ideológica desde donde Jo Stockton (una radiante Audrey Hepburn) predica los dogmas del existencialismo antes de que el fulgor de la alta costura y los flashes la arrastren hasta las escaleras del Louvre.

Lejos de ser un simple cuento de hadas azucarado, la obra maestra dirigida por Stanley Donen —con producción de Roger Edens tras su etapa dorada en la Metro-Goldwyn-Mayer— es un ejercicio de estilización visual y una afilada sátira cultural que merece ser analizada en profundidad.

1. El refugio de la librería y el inicio de la metamorfosis

El punto de partida del filme sitúa al espectador en un entorno radicalmente opuesto al glamour que dominará el resto del metraje. La librería Embryo Concepts de Greenwich Village representa la resistencia intelectual frente a la banalidad comercial.

En este espacio confinado entre estantes y panfletos, Jo Stockton defiende una pureza ideológica que desprecia profundamente el mundo de la moda. Sin embargo, la irrupción del fotógrafo Dick Avery y de la redactora Maggie Prescott transforma este modesto mostrador en el epicentro de un viaje iniciático que la llevará directamente a los cafés y monumentos de París.

2. El conflicto ideológico: Sátira implacable del existencialismo de salón

El guion escrito por Leonard Gershe (basado en su obra inédita Wedding Day) plantea un divertidísimo y frontal choque cultural. Por un lado se encuentra el refugio intelectual de la librería, un espacio donde Jo discute sobre las corrientes filosóficas de la época y ridiculiza los círculos intelectuales de los cafés parisinos y el "enfaticalismo" de los falsos gurús al estilo de Jean-Paul Sartre.

En la otra orilla bulle el imperio de la revista de moda Quality, un escaparate de artificio y consumo masivo. La película toma partido de manera brillante: la supuesta pedantería organizada de los cenáculos huraños cede ante la vitalidad de la vida real. Jo es "redimida" no por someterse ciegamente a los caprichos del mercado publicitario, sino por descubrir que la libertad estética y el amor pueden convivir fuera de los panfletos académicos.

3. La revolución estética: Richard Avedon y el Technicolor en VistaVision

Lo que verdaderamente eleva a Funny Face al rango de mito cinematográfico es su músculo estético. La decisión de incorporar al legendario fotógrafo Richard Avedon como consejero visual impregnó cada plano de una modernidad radical.

Avedon trasladó al celuloide su revolución en el retrato: fondos blancos minimalistas, contrastes de blanco y negro absolutos y explosiones cromáticas milimétricas, como el inolvidable abrigo rojo de Hepburn descendiendo por las escaleras de la Victoria de Samotracia.

Rodada en VistaVision y Technicolor por el operador Ray June, la película prescinde de los aburridos platós de estudio para rodar en localizaciones naturales de París. La capital francesa deja de ser una postal turística para convertirse en un pentagrama dinámico donde convergen la sátira de los bistrós existencialistas y la elegancia coreográfica.

4. La música de los Gershwin y el pulso coreográfico

La banda sonora se nutre de la genialidad de George e Ira Gershwin, rescatando cuatro piezas clave de aquel musical homónimo que los hermanos habían estrenado con éxito en los escenarios de Broadway en 1927 (donde el propio Fred Astaire bailaba junto a su hermana Adele).

Temas como He Loves and She Loves o Let's Kiss and Make Up demuestran que, a pesar de que Astaire rondaba ya los sesenta años y la diferencia de edad con Hepburn era notable, su talento escénico y su elegancia innata borraban cualquier fricción de guion. La dirección de coreografía, supervisada junto a Eugene Loring, dota al conjunto de una ligereza volátil inigualable.

Conclusión: El triunfo definitivo de la forma

En su estreno, la crítica más severa recibió la cinta con cierto recelo, acusándola de sacrificar profundidad dramática en favor de la superficie. Sin embargo, el tiempo la ha consagrado como el testimonio definitivo de que el cine musical podía convertirse en una auténtica galería de arte en movimiento.

Hoy, en el Día de las Librerías, recordar Una cara con ángel nos devuelve la certeza de que las grandes aventuras intelectuales y estéticas a menudo comienzan entre estantes polvorientos, demostrando que la forma —cuando se eleva a este nivel de excelencia— se convierte en el contenido absoluto.